俗话说，芭蕾舞一定会满足所有对艺术有追求的观众，喜欢舞台表演的，一定会被芭蕾戏剧表演感动；喜欢音乐的一定会被交响乐的震撼而感动；喜欢绘画的一定会被舞台布景而惊艳；喜欢舞蹈的，一定会被舞者轻盈的身影而折服。

 

但说到芭蕾舞，十有八九的人对它的标签都是晦涩、难懂等，甚至还有一部分人觉得它是高雅的，与自己精神段位不匹配。

但其实并非如此，首先，所有艺术文化都是平等的，有小众如阳春白雪，也有大众至雅俗共赏，只不过芭蕾给人的感觉是高贵典雅，但在艺术形式上并没有层次之分。

 

在一场芭蕾舞演出里，最重要的元素为以下几点：芭蕾舞剧情，演员的肢、形态传达的意思，演员所表演的舞蹈形式以及一场芭蕾舞中含有的音乐。

 

所以只要弄懂这几个关键问题，看懂一场芭蕾自然是不在话下。

 

今天我们就讲解如何看懂一场芭蕾舞。

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先了解芭蕾剧情

在看一场芭蕾舞演出之前最重要的就是先搞懂剧情是什么，就像我们在看电影和电视剧之前要对剧情做个梗概了解，达到更快融入到表演里的目的。

剧情介绍内容一般会在购票界面或现场发放的节目单上都有呈现。

爱乐汇现场节目单

所以在去剧院看芭蕾演出时，提前半小时进入剧场，不仅更早的进入古典芭蕾舞蹈剧特定的剧场，还可以先熟悉一下节目单上提供的剧情引见、明星阵容、编导生平、作曲背景、舞蹈美创意、舞蹈团历程等等资料，为接下来的观演做铺垫。所以一定要仔细阅读哦~

其次，在了解剧情后，可以在手机查询一下舞剧的背景，因为一场经典的芭蕾舞剧，历史都是久远的，创作者的时代与我们相隔甚远，如果没有深入了解，很难理解创作者的初衷。

除此以外，还可以了解一下演出服装，华丽的服装背后代表着不同时期的文化与不同民族的风格，每一件衣服都有一段历史，每一个款式都代表了一朝流派。

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根据幕布判断剧情进展

西方芭蕾剧情中，大多会分为几幕。在节目单上通常会把剧情按幕划分开来，一般来说，幕布拉起幕布放下算一幕，所以如果你在观演过程中分心漏掉了剧情，可以根据幕布的起落与节目单的结合来判断剧情进行到哪一步。

演出开始前未升起的幕布

其实简单来说幕布就是区分主要情节发展的名词。不过现在偶尔也出现了直接道具缓慢移动而不放下幕布的情况。

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如何区分演员

一般我们都会以站C位的演员为主角。但很多舞剧的服装主角和配角没什么太大差别，可能在舞蹈开始后，再加上座位和舞台之间的距离就经常出现“主角出现了，主角消失了”的感觉。

而这时大家就可以找一些标志性的物品来区分各位演员，比如服装的不同、头发的颜色、饰品的区别、搭档的人选等。

最先亮场的男女主

角色上一般分为，主角，独舞者，群舞者，主角是故事核心人物，舞者需有一定水准以上的技巧与体力，最重要是要 有高超舞蹈素养及品格，才能诠释剧中的人物。

古典芭蕾双人舞是整个舞剧重心，大都由男女主角担任，独舞者一般由男女主角表演。

群舞者虽然舞步较简单，但复杂的画面变化，整场气氛烘托更是扮演举足轻重的地位，每一位群舞者均非常重要，只要有一人乱了脚步，整体的画面将被影响。

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动作背后的含义

在了解整场芭蕾演出剧情后，就该进入到观看表演的环节了。

 

在看芭蕾舞蹈时，男舞蹈者们那高耸健硕的体格、张力十足的肌肉、刚柔相济的动感、英俊潇洒的风度，女舞蹈者们那婀娜多姿的身段、鬼使神差的脚尖、轻捷灵动的质感、细腻传神的表情都是整个舞台的重要元素。

 

俄罗斯芭蕾国家剧院天鹅湖舞台

从本质上说，芭蕾是用整个身体去传情达意的“动作艺术”，属于“非文字语言”的范畴,而不是用“文字语言”去讲故事的戏剧,或者小说。

 

看懂芭蕾首先要了解基本动作，其中最基本的动作为以下五个动作，从18世纪开始，所有芭蕾舞团都会在日常芭蕾舞课上重复这5个动作。

所有芭蕾舞开始和结束的动作都用这五种姿势中的一个，这些姿势是在18世纪创造的，是为了达到平衡并使脚显得优美。

 

芭蕾舞中五个基础动作

古典芭蕾的这些基本动作（元素），就像字母一样，编导运用这些字母写出不同角色的个性、身份、情绪以及角色在剧情发展中的地位和作用。

把这些元素按特定的结构手法加以编排、组合、组成形象化的舞蹈语汇来表达剧情，创造出各种富有艺术魅力的舞蹈形象。

 

但是芭蕾不仅仅是舞蹈，综合音乐、哑剧、舞台美术、文学于一体呈现在舞台，它的最初是以欧洲古典舞蹈为主要表现手段，经过几个世纪不断加工、丰富、发展而形成，所以除了基本动作外，还包括了西方戏剧中的各种礼仪和手语。

拿天鹅湖中，天鹅公主与王子讲述自己的身世以及如何变成天鹅的故事场景举例，每个手势是什么意思：

手势含义图（源自网络）

所以要看懂芭蕾，不仅要了解最基本动作，另外也要了解的芭蕾手语。手语，是手乃至整个肢体的语言，用来传达信息。比方说两只手在头顶转两个圈，表示一同来跳舞；又比方说，双手握拳交叉于身前，表示死亡。

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通过舞蹈形式找重点

芭蕾中的舞蹈格式有独舞、双人舞、多人舞。独舞长用于刻画人物性格和抒发内心情感；群舞则来渲染、烘托气氛，调剂色彩。

芭蕾舞剧《灰姑娘》双人舞

双人舞在概念上不仅是：“两个人跳舞”，而形成为一种特定的表演格式。古典舞剧中，男女主人公的双人舞，常被处理为全剧的核心舞段，占据着重要的地位。

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根据音乐感受戏剧构思

在一场芭蕾演出里，除了芭蕾舞外，还有一个不可忽略的元素就是音乐，音乐是和作品内容与舞台动作紧密联系的重要组成部分因为音乐在一场演出中可以体现戏剧构思。

 

拿最经典的柴可夫斯基《天鹅湖》第二幕王子与公主相遇和相爱举例来说。整部天鹅湖有四幕，包含二十九个分曲组成，这段是由五个分曲组成。

 

《天鹅湖》公主王子相遇

第一分曲的基本主题是天鹅主题，它在全剧中贯穿发展，起着主导动机的作用。

凄恻动人的旋律，由双簧管在竖琴伴奏下吹出，然后移转到圆号上；最后，由木管乐器和弦乐器隔开两个八度强烈地齐奏，并渐渐消失。乐队演奏这个分曲时，舞台上是一片苍茫的夜色，一群天鹅浮游在湖上，领头的一只戴着花冠。

第二分曲是一个舞蹈场面。是王子与公主相遇，询问公主的身世，在听完公主的倾诉后，与公主相爱。第二分曲没有结束，就紧接着第三分曲。

第三分曲是另一个舞蹈场面。舞台上出现天鹅的行列，奥杰塔的同伴们登场。

第四曲是天鹅之舞，是由六首舞曲接回旋曲的原则构成的。

第五分曲也是第二幕的终场音乐，再现了第二幕开头由双簧管独奏的天鹅主题。

由此不难看出音乐，音乐是贯穿剧情发展的手法之一。所以说，如果你想把一场演出看的更透彻，可以提前了解一下这场演出中的所有音乐。

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欣赏判断舞者水平

在对剧情和肢体语言有了清楚认知后，你就可以开启更高段位的操作了，就是观察舞者水平是否专业。

 

在芭蕾舞界里不仅仅后天的努力重要，天赋也占着很大的比重，许多芭蕾舞演员几乎都是天生的。在芭蕾行业里流传着这么一句话：“开、绷、直、立爹妈给，轻、高、快、稳师父教”。

 

“开、绷、直、立爹妈给”，说的是芭蕾舞者必须先天具备的四项条件，大多是父母遗传给他们的。

 

“开”是指舞者的踝、膝、胯、胸、肩，必须五位一体地向两侧打开，否则，便缺乏足够的贵族气派，而运动起来，也无法达到高度的灵活。是其它三项条件的身体基础和气质前提；

标准的芭蕾舞姿

“绷”是指舞者的每个脚部动作，无论大小，凡是该绷起脚背儿来时，都得把它绷起来，绷出来，这是检验全体舞者，从群舞到主演，脚下干净利索的试金石；

“直”是指舞者的腿脚在完成充分的伸展时，必须把膝盖骨绝对地收藏进整个腿脚的线条中去，以确保整个腿脚的线条-气呵成、畅若流水；

“立”是指舞者的身体无论坐，还是立，躯干都必须同地面呈垂直状态，类似于中国古人所崇尚的那种“坐如钟、站如松”的君子风度。

 

口诀“轻、高、快、稳师傅教”，则是要告诉我们，芭蕾舞者在老师的精心调教下，经过长期、科学和艰苦的训练之后，完成各种高难技术动作时，都需要形成哪些“后天的能力”。

首先，最重要的是“轻”。因为在19世纪的芭蕾舞剧中，标题人物大多都是仙女、精灵、孤魂、野鬼，这些人为的造物往往都是来无踪、去无影，没有重量的，轻盈飘逸成了她们的共同特点。

因此，舞者的动作只能以“轻”为美，正因为如此，芭蕾舞者，尤其是女舞者们，最忌讳的莫过于体重的增加，他们在饮食上，是最为谨小慎微的一族;

仙女们轻盈的步伐

“高”与”轻"是因果关系，没有“轻”，便没有“高”，而没有“高”，便没有芭蕾舞者和芭蕾舞两者超凡脱俗的境界之美;

“快”是指舞者的动作频率要快，速度越快，难度则越大，快速的动作主要包括旋转和腿脚的击打，比如经典的“四小天鹅”就很讲究快。

“稳”在四字要领中，始终扮演着压大轴的角色，无论前面跳得多“高”、落地多 “轻”、转得多“快”，如果最后一个瞬间如果没收住，一切则会前功尽弃，使得整个舞蹈的美毁于一-旦。

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你可能不会鼓掌

最后还有一个很严肃的问题就是鼓掌。按照中国人观演的惯例，在看到精彩的演出，比如相声演员在一口气说了n个菜名时，武术演员在连翻十个跟头时，总是会忍不住鼓掌。

但芭蕾却并非如此，在整段表演还未结束时，不管表演多精彩，尽量不要鼓掌。为什么这样说呢？

熟悉芭蕾的观众应该都知道在天鹅湖里有着经典场面“32挥鞭转”，在2011年莫斯科大剧院演出《天鹅湖》时，在演奏这段时因为有观众帮着打节拍，导致舞者节奏完全被打乱，临时把双圈改成了单圈。

所以说，鼓掌也是一门学问，其实演员每次鞠躬谢幕时，也是在向观众领取掌声呢。

 

小白如何看懂芭蕾的技巧你get到了吗？如果你在看完演出后，如果对其中的一段舞念念不忘，那么恭喜你已成功晋升芭蕾资深观众Lv1。